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La pittura in Italia

vangogh — Sat, 13 Aug 2011 10:58:34 +0000

L’Italia è una delle nazioni con il più ampio patrimonio culturale e artistico, basta pensare che Firenze è considerata in tutto il mondo la culla dell’arte, proprio per questo nel 1982 il suo centro storico è stato proclamato Patrimonio Mondiale dell’Umanità. Il capoluogo toscano è solo un esempio della ricchezza artistica della penisola, che tuttavia verrà trattata solo in parte in quest’articolo incentrato unicamente sulla pittura italiana.

Cenni storici

La storia della pittura italiana ha origini in tempi remoti, già gli antichi romani vantavano, infatti, una raffinata attitudine alla sua pratica. Seppur molto vasta, essa presenta dei periodi artistici fondamentali per la cultura artistica del paese tra cui il Gotico con Giotto e, ancor di più, il Rinascimento, nato a Firenze e caratterizzato dalle opere di pittori di fama mondiale come Leonardo da Vinci, Michelangelo e Raffaelo, che influenzeranno con il loro stile numerosi artisti successivi; mentre a fine ‘500 è da ricordare il naturalismo del Caravaggio. Successivamente, nel periodo delle avanguardie, è stato fondamentale l’impulso artistico del movimento futurista composto da grandi artisti come Boccioni, Balla e Carrà, a cui seguì un altro importante personaggio, De Chirico, appartenente al gruppo dei pittori della Metafisica. Da non dimenticare, inoltre, il contributo artistico dell’arte informale di Burri e Fontana.

La pittura oggi

La tradizione pittorica italiana ha fatto si che non si perdesse, nemmeno ai giorni nostri, la vena pittorica storica della penisola. Nonostante la scarsa pubblicità e l’esigua considerazione in molte manifestazioni artistiche, il genere pittorico è duro a morire e conta tuttora numerosi sostenitori. Molti pittori si sono riuniti in gruppi e hanno spesso creato sul web dei forum per lo scambio di idee e per la diffusione delle loro opere d’arte. Infatti molto spesso, come si suol dire, chi fa da sé fa per tre. Ciò non toglie che diversi curatori d’arte si impegnino a sostegno di questa nuova generazione di pittori, uno di essi è Francesco Bonami che nel 2003 alla Biennale di Venezia ha dedicato un’intera sezione alla pittura. In Italia sono, inoltre, frequenti mostre pittoriche dei grandi artisti del passato.

Foto: Georgios Kollidas – Fotolia

I più grandi pittori italiani: Michelangelo

vangogh — Thu, 11 Aug 2011 10:47:12 +0000

Rinomata a livello mondiale per le sue prelibatezze culinarie, per lo splendido paesaggio e per le meraviglie culturali e artistiche, l’Italia è, da sempre, una delle mete turistiche più gettonate, infatti proprio queste peculiarità l’hanno resa famosa in tutto il mondo e le hanno garantito il celebre appellativo di “Belpaese”. La penisola tra l’altro vanta di aver dato i natali a numerosi artisti di fama mondiale, tra cui numerosi pittori rinomatissimi.

Grandi pittori

Il panorama artistico italiano è davvero ampio e ricco di figure importanti che hanno fatto la storia della nazione. Seguendo un ordine cronologico possiamo parlare in primis di Giotto, pittore toscano del periodo gotico ricordato, tra le tante opere, per gli affreschi nella Basilica superiore di Assisi, la Croce di Santa Maria Novella, il Campanile del Duomo di Firenze e il Trittico Stefaneschi. Giotto è ritenuto il precursore del Rinascimento italiano in quanto per primo ha dato importanza ai volumi e alla reale fisionomia delle figure umane. Proprio durante il Rinascimento spiccò per talento e bravura il pittore Sandro Botticelli, il cui stile incentrato sulla bellezza ideale, sull’uso delle linee di contorno, sul senso di movimento e sugli effetti materici gli ha donato una fama senza luogo né tempo. Tra le sue maggiori opere si ricordano La Primavera, La nascita di Venere, gli affreschi nella Cappella Sistina e la Calunnia. A Botticelli seguì l’eclettico Leonardo da Vinci, ritenuto un genio senza tempo che si fa notare, in pittura, per le sue tecniche rivoluzionarie e gli studi raccolti nel Trattato della pittura, come, ad esempio, lo studio della proporzionalità del corpo umano rappresentato dal celebre Uomo Vitruviano; egli riteneva, infatti, che la pittura fosse una scienza che rappresenta la natura. Le opere leonardiane sono innumerevoli ma non si possono non nominare la Gioconda, L’ultima cena, la Vergine delle rocce o la Dama con l’ermellino. Altra figura di spicco del Rinascimento italiano è l’urbinate Raffaello Sanzio ben noto per la Pala della Colonna, lo Sposalizio della Vergine, la Madonna del Cardellino e per gli affreschi nelle stanze papali del Vaticano.

Il Buonarroti

Pittore rinascimentale è stato anche Michelangelo, che vanta, tra l’altro, un’altissima fama come scultore e architetto ed è ritenuto uno dei maggiori artisti a livello mondiale. La Pietà, il David e gli affreschi della Cappella Sistina sono ritenute opere d’arte di una bellezza e di una precisione artistica ineguagliabili tanto da essere considerate simbolo dell’arte occidentale.

Illustrazione: mavieni – Fotolia

900: Correnti artistiche della pittura

vangogh — Mon, 08 Aug 2011 09:58:46 +0000

Secolo di rottura con la tradizione, il Novecento è stato caratterizzato, soprattutto nei primi 50 anni, da una forte tendenza artistica al distacco dalla tradizionale arte accademica, e, più in generale, in quel tempo aleggiava nell’aria un totale rifiuto nei confronti delle concezioni artistiche, letterarie, filosofiche e sociopolitiche del passato. Fu questo il clima in cui mossero i primi passi le numerose correnti artistiche del XIX secolo.

Le Avanguardie storiche

Prime fra tutte si svilupparono le cosiddette avanguardie, correnti artistiche nate nel primo ventennio del Novecento che, seppur differenti tra loro, condividevano la voglia di creare una nuova arte lontana da qualsiasi schema e in contrasto con tutte le correnti pittoriche precedenti. Esse miravano principalmente ad uno sconvolgimento della tradizionale concezione dell’arte, a cambiare tutto per mezzo di una spinta creativa aperta alle sperimentazioni più disparate. Una principale distinzione tra queste correnti d’avanguardia giaceva nel diverso approccio con la realtà: l’Espressionismo, forma d’arte in cui l’emotività prevale sulla visione oggettiva della realtà, il Surrealismo, che mira a rappresentare la dimensione onirica e surreale della psiche umana, e l’Astrattismo, forma d’arte che usa gli elementi geometrici e i colori per esprimere i sentimenti dell’artista, sono improntati sulla soggettività mentre il Cubismo e il Futurismo mirano principalmente ad un analisi oggettiva e scientifica della realtà che viene impressa sulla tela per mezzo di particolari tecniche analitiche di rappresentazione visiva (ad es. sovrapposizione simultanea di più punti di vista, scomposizione della luce e quarta dimensione). Storia a sé è quella del movimento Dada le cui opere, realizzate con ogni tipo di materiale, nascono con un intento volutamente provocatorio, irriverenti e stravaganti esse furono definite dagli stessi dadaisti forme di anti-arte.

Correnti successive

Negli anni successivi sorsero diversi altri movimenti tra cui la Pittura Metafisica, che vuole rappresentare ciò che sta oltre la realtà, al di là del percettibile; il movimento del Novecento, in posizione opposta a quella delle avanguardie ricerca un ritorno all’ordine, alla classicità; l’action painting, forma pittorica in cui il colore viene gettato sulla tela e vi imprime l’azione, seguita dalla Pop Art, arte appunto popolare ossia di massa, seriale, influenzata dalla Neue Sachlikeit tedesca e dal Neoplasticismo olandese.

Foto: fractalia – Fotolia

800: Correnti artistiche della pittura

vangogh — Sat, 06 Aug 2011 10:56:19 +0000

L’Ottocento è caratterizzato da alcuni movimenti artistici molto importanti che mutarono notevolmente gli usi, i costumi nonché il pensiero e i gusti del tempo. Nella prima metà del secolo domina, difatti, il Romanticismo, nella seconda il Realismo e quindi l’Impressionismo.

Il romanticismo e l’arte pittorica

Il Romanticismo è un periodo di grande trasformazione: grandi mutamenti portano al centro dell’attenzione la soggettività e la creazione individuale. Nel corso di quest’epoca viene considerato romantico chi mira alla rappresentazione delle emozioni in senso profondo e toccante e di tutto ciò che è irreale e fantastico. Le caratteristiche di un dipinto di epoca romantica sono prevalentemente l’uso di panorami della natura, talvolta anche violenti. Un esempio potrebbe essere l’opera di Friedrich “il viandante sul mare di nebbia” dove viene raffigurato un uomo di spalle che si affaccia su uno sfondo montagnoso pieno di nebbia: il significato sta proprio nella posizione dell’uomo che, essendo raffigurato di spalle, rappresenta l’inconscio e la parte più nascosta del suo essere. Questo dipinto incute paura e inquietudine e l’uomo appoggiato al suo bastone rappresenta l’illusione che ogni uomo si crea e coltiva per rendere la sua vita migliore.

Dal realismo all’impressionismo

Intorno al 1840 in Francia Nasce il Realismo, un nuovo movimento pittorico e letterario, basato sul Positivismo che usa e approfondisce la scienza per descrivere e spiegare la realtà che adesso viene descritta così come si manifesta senza caratteristiche surreali, quindi più cruda. Qualche anno più tardi dall’esperienze del Romanticismo e Realismo, che avevano rotto gli schemi classici, nasce un movimento pittorico chiamato Impressionismo, durato fino ai primi del Novecento. L’impressionismo eredita le caratteristiche di Romanticismo e Realismo e le fa proprie creando una corrente nuova che riscopre la pittura paesaggistica e l’importanza del soggetto, nonché l’attenzione volta al colore piuttosto che alla complessità del disegno. Particolare degli impressionisti era la loro abitudine di dipingere sempre in spazi all’aperto utilizzando una tecnica molto veloce che permetteva loro di completare il disegno anche in breve tempo. Lo scopo principale era di percepire lo spazio, la luce, il cielo e l’atmosfera così come si presentavano abbandonando gli spazi chiusi o gli atelier dove erano soliti creare i loro ritratti.

Foto: alexcoolok – Fotolia

L’arte pittorica

vangogh — Wed, 03 Aug 2011 10:47:32 +0000

La pittura non è altro che l’arte dell’applicare una sostanza colorante, chiamata pigmento, su materiali tipo tela, legno, seta, vetro, ceramica etc. al fine di creare immagini che rappresentano la percezione della vita dei vari artisti che le compongono.

La pittura e le varie tecniche

In base ai materiali utilizzati e agli strumenti, esistono oggi diverse tecniche pittoriche. Oggi la classificazione delle tecniche si basa soprattutto sulle diverse tipologie di superfici sulle quali vengono create le immagini. Una distinzione delle tecniche può essere sicuramente fatta in base ai supporti utilizzati: l’affresco o il graffito utilizza le pareti, la pittura con tempera utilizza la tavola, il pastello o l’acquerello la carta, su tela troviamo pittura ad olio, acrilica e tempera ed infine su stoffe in genere vengono utilizzate tecniche come il “batik”, l’acquerello e lo “shibori”. Oltre che alle superfici, le varie tecniche pittoriche si differenziano sia in base a diversi elementi che vengono mescolate ai coloranti (emulsioni, paste, resine) che in base agli strumenti utilizzati per l’applicazione del colore (spatola, pennello, punte, spray).
Altre tecniche pittoriche particolari sono di sicuro il mosaico e il ricamo. Il primo caratterizzato dall’utilizzo di frammenti di diversi tipi di materiali ( come pietre, vetro etc.) decorate secondo il disegno da realizzare e applicate su basi fino a completarne il progetto. Il ricamo invece non è altro che realizzazione di un disegno o ornamento su un tessuto utilizzando ago e filo.

Cenni storici

Dalla Francia provengono i più antichi dipinti, risalenti a più di trentaduemila anni fa e caratterizzati da pigmenti di colore nero e ocra rossa (pigmento naturale caratterizzato dall’utilizzo dell’ematite). Se pensiamo all’epoca primitiva, le prime superfici sulle quali venivano raffigurate scene di vita collettiva sono le pareti delle caverne, di case o dei templi. Nel medioevo, invece, si era soliti utilizzare dapprima la tavola di legno, per poi passare alla tela. Nel corso della storia, artisti si sono differenziati in base a diversi movimenti di espressione, ricordando ad esempio l’arte barocca, quella moderna, concettuale, contemporanea, povera, espressionista, gotica, futurista, realista, surrealista, simbolista, spazialista e tante altre ancora, tutte ritrovabili in opere oggi esposte nei migliori musei del mondo.

Foto: lu-photo – Fotolia

I diversi tipi di arte

vangogh — Fri, 29 Jul 2011 15:39:49 +0000

L’arte, nella sua accezione più ampia, indica ogni tipo di attività dell’uomo che si basa sull’estetica e creatività basate su capacità innate oppure derivanti dal frutto di studio e di esperienza allo scopo di regalare emozioni a tutti i fruitori, i quali soggettivamente interpretano le espressioni artistiche in base ai propri gusti e modi di vivere.

Il concetto di arte nella storia

Nell’antichità con arte si indicava la capacità di fare qualunque tipo di oggetto in base alla conoscenza di regole specifiche. Basti pensare alle Nove Muse che proteggevano le varie arti come la commedia, la danza, la tragedia, il mimo e i diversi tipi di poesia come l’epica nonché la storia e l’astronomia. Nel periodo dell’ellenismo (epoca in cui abbiamo lo sviluppo della civiltà greca che termina il 529 D.C.) le arti comuni cominciano a distinguersi dalle liberali. Queste non comprendevano ancora le forme di poesia proprio perché il poeta era solo un vate che componeva versi ispirandosi a Dio senza alcuna regola di composizione. Solo alla fine del Settecento il concetto di arte inizia a subire notevoli trasformazioni, nasce la fotografia, l’oggettistica generica per vivere la propria casa e l’architettura dedicata alle industrie. Proprio per questo nel Novecento l’arte abbraccia tutte le definizioni dell’arte abbandonando la concezione univoca divenendo, invece, libera.

La suddivisione delle forme d’arte

Il poeta Canuto Ricciotto nel 1923 creò la lista delle Nove Arti: Architettura, Scultura, Pittura, Danza, Poesia, Musica, infine Cinema, Fumetto e Radio Televisione. Tuttavia oggi non esiste una vera e propria suddivisione dei tipi di arte esistenti in quanto, con l’evoluzione continua della storia, spesso le classificazioni non includono stili e forme che via via nascono con il trascorrere del tempo. Diventa quindi sempre più complicato racchiudere in diverse categorie tutte le espressioni artistiche esistenti. Possiamo, comunque raggruppare le diverse espressioni in una suddivisione che prevede le Arti da performance (Teatro, Danza e Musica), quelle visive (Fotografia, Pittura, Incisione) plastiche (Architettura, Scultura, Origami) e concettuali (come ad esempio l’arte postale e di relazione). Alcuni suddividono, ancora, queste forme in base ai sensi dell’uomo, quindi in arti visive, foniche, audiovisive, figurali, gustative, olfattive e arti sperimentate.

Illustrazione: kkartworks – Fotolia